Comment l'art captif (III)

Même le Sezanne et le Picasso. Inconnu lorsqu'il s'installe en France, il cherche des œuvres d'art, rencontre Rénoari et d'autres impressionnistes qui l'informent même de l'existence d'un peintre talentueux comme Sezanne. Volar tomba derrière lui, le chercha, trouva l'étranger Sezanne d'ici là, regarda ses peintures et me fit acheter 150 pièces à un prix très bas, et en un an, Sezane devint une star de l'avant-garde et de la peinture française. Volar n'a fait que faire comme le veut la loi du marché : acheter à bon marché. Mais qui peut coûter cher ? Artiste inconnu ! Et l'inconnu doit être trouvé ! Que signifie trouver? Novatorine ! L'invention. Le nouveau ! Nouveau artiste ! J'ai découvert ! La station Sesanne devint pratiquement inévitatrice de tout modernisme. Tout cela grâce à la triade: Découvrez, achetez gratuitement, inventez nouveau. Et dans toute la course, dans tout ce terrible tour de l'innovation, il a émergé les tendances d'une nouvelle condition: être jeune vous devez être le tueur de l'ancien. C'est aussi le point à partir duquel, à mon avis, le déclin de l'art européen a commencé.

Vola et Sezani

(question publique): Quelle est votre œuvre d'art préférée, et pourquoi ?

Konchalovsky: Il n'y a pas de travail que je voudrais isoler. J'aime ces tableaux que je peux regarder sans essayer de comprendre. Asseyez-vous à côté d'eux et profitez-en. Je trouve difficile de faire face aux images qui ont besoin de six pages de texte pour expliquer qu'ils sont des œuvres d'art. Pour Montréal, aucune explication n'est nécessaire. Mais certaines boîtes complexes de type pyramidale ou carrée, ou comme elle est, excusez-moi, le Black Cable “18x1> de Malevich, pour tels, nécessite six pages de texte pour l'exprimer comme art. Je ne veux rien comprendre, je veux me sentir comme Tolstoji l'a dit. Je suis émotif, je suis assis et je regarde pendant des heures. D'habitude au Musée, je préfère ne voir qu'une seule peinture et m'enfuir. Je refuse de courir toute l'exposition parce que ce n'est pas nécessaire, et même la salle est bondée par de nombreux invités. Donc même le meilleur moment pour visiter l'exposition est quand les visiteurs ou quand ils sont peu. C'est alors que personne ne vous dérange. Restez, regardez, et partez ! L'art prend du temps, la veine et le dévouement, et l'engagement indigne dans une zone de montagne, de mer ou de prière.

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J'ai beaucoup de questions, pas de réponses, mais des questions que j'aimerais analyser avec vous. C'est en fait un son complexe pour répondre à de tels problèmes, mais peut-être que nous pouvons le faire ensemble. Nous allons essayer de comprendre comment la culture européenne, comparée à celle du peuple russe, est venue traiter le discours de l'artiste de la vérité. Je ne peux pas m'empêcher de lire certaines des pensées de Solzhenicin, Tatiane Tolstoïa et d'autres personnes intéressantes. Solzhenjnic a écrit quelques œuvres intéressantes à la fin des années 80 et au début des années 90 quand il a vécu en Europe et en Amérique. Dans une de ses pièces, il a écrit que la cause du ralentissement culturel européen est un manque de foi en Dieu, l'infidélité. La religion a disparu de la culture. Il a écrit qu'il y a déjà eu des siècles depuis le monde des Lumières sous le voile de soi-disant humanisme, et au XXe siècle il a eu des formes totalitaires. L'anthropocentrisme n'a pas de réponses à de nombreuses questions fondamentales sur la vie, et dans la mesure où ces questions s'approfondissent, l'anthropocentrisme devient encore plus impuissant. L'expiation spirituelle a été faite de la nature humaine, et sur sa base un système de valeurs humaines a été construit qui fait appel à la plus grande distance de la nature et du monde.

Aleksandar Solzhenic

Mais qu'est-ce que cet anthropocentrisme? L'anthropocentrisme est le point de vue dans lequel on est le centre du monde. Le centre du monde est l'homme. Il se tient sur les vivants et les morts, il est le roi de la nature, il le change, il crée le monde. L'idée anthropocentrique en question a conduit à de graves problèmes écologiques aujourd'hui. Les deux premiers humanistes sérieux étaient Walter et Russo. Cette philosophie qui vénère l'homme comme un centre de la nature et comme un centre du monde a ensuite été élargie non seulement comme une philosophie de référence de soi ou comme une pensée infiltrée en politique, mais aussi dans les œuvres d'art.
Et depuis, ainsi au début du siècle. X coordonne V III, l'idée de l'individu, l'artiste révolutionnaire qui s'oppose, commence à se développer. En fait, une telle artère de pensée en Europe existait depuis longtemps, mais l'auteur d'une idée d'artiste libre, qu'il n'y a pas d'obstacles à la religion ou à l'éthique, était Lord Byron, révolutionnaire et destructeur de toutes les règles éthiques et autres normes. Héros et soldat en même temps, il a été un des premiers pops. Il défiait même la société et la dette, consommait de l'opium.

Seigneur Byron

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Son poème a ensuite été étendu dans toute l'Europe et, par conséquent, à la Russie. Les éditeurs y voyaient le génie moderne rejeté, et sa photo d'opium était soutenue par les journaux. Ce que l'on appelle maintenant la marque “ - la marque du commerce a également affecté Pushkin - dans la mesure où il a adapté sa propre peinture. Cette vision du héros négligé est toujours venue et renforcée surtout en Europe ; en France cette tendance était connue comme la tendance des pots maudits “”. Tous les héros de la société comme Rembo étaient censés être des drogués, des aventuriers... le Rembo qui est allé en Afrique a probablement perdu même la jambe qui a voyagé dans des pays lointains est coupé ouvert et comme un héros nouvellement converti. C'était le cas avec Gegeno, Rembo, donc c'était avec tous ceux qui ont été touchés par le “ala Byron”, qui est devenu une marque de commerce très populaire. Mais pour réussir, cette vision de notre homme comme notre héros, nous devons faire vivre notre héros dans la misère, occupé par le pays exotique et l'espoir ouvert. La photographie du Dieu incapable, destructeur de la tradition, a réussi à générer la négociation de tout. En conséquence, le culte en question a donné vie au masque où la vérité était la plus importante. Important était le masque du révolutionnaire, celui qui méprise la morale, comme le bourgeois. Dans ce monde, le masque était très important et je pense que le radicalisme de l'art, qui a commencé au début du 20ème siècle, est venu à la suite de la vision qui hante l'épuisement de l'artiste. La vision que l'artiste dit devrait briser les frontières à la recherche de transmettre des sentiments qui ne devraient pas voir quelque chose de magnifique dans la nature et de le transmettre au peuple, mais qu'il vaut la peine d'essayer de faire appel au masque, qui devrait être la marque commerciale pour laquelle l'acte/produit peut être vendu. En ce sens, le masque est devenu assez attrayant pour le scandale.

“Pushkin accueille la mer” Ivan Aivazovky

Si l'un d'entre vous a lu l'extraordinaire livre, “Jedno Ipooki Strackaque” de Benedict Livshiči, l'hôte de la direction futuriste pour le temps que vous trouverez une partie où il parle de comment une fois avec Mayakovski ils voulaient acheter un chiffon noir pour que la mère puisse fermer sur les oignons avec lesquels elle portait des cigarettes des marques les plus chères et avec le dernier argent dans sa poche. Ces gens étaient nouveaux, exposés au scandale, et ce n'était pas seulement comme cela avec Majakovski, mais aussi avec Malevchi, avec beaucoup d'autres artistes, y compris le groupe artistique <x2. > Karo Pub” à qui mon grand-père Petrovic Konchalovski appartenait. Mais qu'est-ce qui est important ici ? Comment tout ça a commencé ?

Benoît Livsic

Vladimir Majakovski

Au début du XXe siècle, les universitaires étaient la couche la plus précieuse de la société, mais les artistes indépendants de Paris, à “La salle des indépendants”, ont créé une exposition qui reste dans l'histoire. L'image du dit “Muzhu sur l'Adriatique” a été affichée. L'œuvre de l'artiste Boronolio. Le peintre inconnu Boronol. Un collectionneur autrichien a acheté le tableau en question car à l'avance un expert a reçu le resensis que la toile en question appartient au représentant en question. En fait, les peintures en question, “Mazzhew sur l'Adriatique”, comme on l'a vu plus tard un groupe d'artistes indépendants, n'ont fait aucun Boronoli, car un tel peintre n'existait même pas, mais est en fait “fixé” par l'ajout du pinceau à la queue d'un âne. L'âne avait agité sa queue en mangeant du foin, et “la chefrie” n'avait changé que de couleurs dans la brosse, tandis que le nom Boronol était une fabrication par une fable de La Fonten. Qu'est-ce que tu peux dire de ça, mais un ridiculisme total et mépris avec la critique ? Pourtant, cela n'a attiré encore plus d'attention, et la peinture vient de devenir plus chère. Quant au peintre, il avait un cul.

Réalisation “

Pour Periscope, traduit par Fatlum Sadiku